Regard sur la scène artistique lyonnaise du XXe siècle : accrochage temporaire au Musée des Beaux-Arts

Le musée des Beaux-Arts est décidément à l’heure lyonnaise puisque en plus d’une formidable exposition sur l’art et l’humanisme lyonnais au XVIe siècle, l’institution propose un accrochage temporaire sur la scène artistique lyonnaise du XXe siècle ; la collection d’art moderne et contemporain du XXe siècle du Musée étant pour partie au Mexique jusqu’à l’été prochain.

L’accrochage présente des œuvres courant sur tout le siècle, de Pierre Combet-Descombes à Stéphane Braconnier (mort en 2015) , conservées au Musée et dans d’autres institutions et galeries de la région lyonnaise (musée Paul Dini, Institut d’Art contemporain, galerie Descours, etc.).

Pour tout amateur de peinture, la variété des styles, des parcours et le foisonnement de la création lyonnaise régalera les yeux. On parcourt ainsi différents courants de l’histoire des arts en général dans leur ancrage local. Et il est intéressant de voir les modes d’appropriation des grands courants artistiques par les peintres et dessinateurs lyonnais.

Des toiles de Adrien Bas, Philippe Pourchet, Émilie Charmy, Jean Couty, Pierre Jacquemon, Max Shoendorff, Maurice Adilon, André Cottavoz Stéphane Braconnier, Jacques Truphémus, Christian Lhopital, Patrice Giorda, Marc Desgrandchamps témoignent de cette vitalité artistique locale, et de son originalité.

J’ai eu un faible pour les paysages post-impressonnistes d’Adrien Bas desquels se dégage une forme de simplicité et de sérénité toute relative bien entendu…

L’exposition est accrochée jusqu’au 10 juillet 2016 dans les salles d’art moderne et contemporain, au 2e étage du musée.

Lyon Renaissance. Arts et humanisme : une exposition recommandée

Entre 1450 et 1562, Lyon connut son second âge d’or, celui de la banque, de l’imprimerie et des foires qui avaient lieu quatre fois par an. Lyon, capitale de la République des Lettres et des arts, dont on a peine aujourd’hui à mesurer l’importance. Lyon, capitale officieuse du Royaume où les Valois passaient inévitablement pour mener leurs guerres d’Italie.

De l’humanisme, Lyon en est assurément une capitale. Les oeuvres des poètes lyonnais ont fait école : Maurice Scève, Louise Labbé, Pernette du Guillet. Rabelais exerça la médecine à l’Hôtel Dieu. Dolet imprima les ouvrages du médecin, mais aussi celles de Marot, Sébastien Gryphe un peu avant imprima Erasme, ou Budé…

Du point de vue des arts, Lyon fut aussi un centre important. C’est ce que montre l’exposition qui se tient actuellement au Musée des Beaux Arts…

L’exposition est dense : tableaux, vitraux, orfèvrerie, estampes, livres, mobilier imprimés se succèdent dans les différentes salles et montrent que la ville abritait en ce siècle, non seulement des hommes et des femmes de lettres talentueux, mais aussi des artistes dont on commence seulement à mesurer le travail accompli.

La première salle est d’importance : elle marque ce qui annonce le déclin de la ville, la présence protestante et le sac de la ville par les troupes du terrible baron des Adrets. Le tableau du temple de paradis est d’un grand intérêt pour les historiens du protestantisme, puisqu’il montre l’intérieur d’un temple au début de la Réforme. Sa forme circulaire est une des innovations des temples de ce temps. On peut y voir des détails amusants : les vitraux aux armes de la ville, un chien écoutant le prêche du pasteur, la présence d’enfants…

L’exposition est aussi l’occasion de montrer une belle série de portraits de Corneille de Lyon, dont le musée vient d’acquérir un portrait à l’aide du crowdfunding.

Un peu plus loin la table claudienne marque une salle où l’on montre que Lyon se souvient de son premier age d’or. Le XVIe siècle est en effet une période où les élites de la ville se réapproprient le glorieux passé romain de Lugdunum. Un peu partout, on cherche, on fouille… et on trouve. Cette table de bronze, reprenant un discours de l’empereur Claude au Sénat sur l’entrée de notables gaulois en son sein, est déterrée en 1528 sur les pentes de la colline de la Croix-Rousse. On publie aussi : Guillaume du Choul, Symphorien Champier impriment des livres sur l’histoire romaine de Lyon. Ces livres inspirent encore leurs successeurs au XVIIe siècle avec l’antiquaire Jacob Spon qui publie une Recherche des antiquités et curiosités de la ville de Lyon en 1673.

 A l’étage, l’exposition donne à voir des traditions artistiques moins connues : le mobilier et la céramique notamment, mais aussi plus ou moins connues comme l’architecture. Alors que Philibert Delorme s’essaie à fusionner les principes vitruviens et l’art gothique flamboyant, Sebastiano Serlio théorise l’architecture dans un traité de sept tomes qui influencera cet art jusqu’au XXe siècle.

Il serait quelque peu ennuyeux de poursuivre cet inventaire descriptif décousu. Je ne peux qu’inviter les lecteurs, et tous les amoureux de l’histoire de Lyon à visiter cette exposition riche en surprise et très étoffée, mais aucunement exhaustive. On peut compléter la visite par l’exploration d’autres musées lyonnais, en particulier le musée de l’Imprimerie et le musée Gadagne. Lyon recèle encore bien des trésors artistiques que le temps nous donne à découvrir.

Pierres romaines

Piazza della Repubblica

Piazza della Repubblica

Rome est une ville minérale du sol aux toits. Travertin et marbres polychromes, statues et pavés… La pierre et la brique s’élancent depuis l’Antiquité à l’assaut des cieux. Elles défient la gravité : la coupole du panthéon est mère du dôme du Gesù. Elles défient aussi le temps : les colonnes du temple des Dioscures ou les restes monumentaux de la basilique de Maxence impressionnent encore le visiteur.

La Rome du XIXe siècle n’a pas à rougir, celle des quartiers de Prati par exemple Les immeubles ont des dimensions palatiales et s’étalent en longueur et en hauteur le long des rues qui se coupent à angle droit. A l’époque, Rome voulait en imposer en tant que capitale. Les cages d’escalier de ces immeubles sont larges et gardent la fraicheur lors des jours de chaleur. Et puis il y a le Vittoriano, sa blancheur et ses volées d’escaliers interminables que mon père appelait « calculette » au lieu de « machine à écrire » et que nous avons visité. Un endroit sacré pour la République italienne. Sa masse écrase le Capitole et les ruines alentours. Ici, la Pierre étouffe le visiteur plus qu’elle ne joue avec lui. Je préfère et de loin la subtilité des volumes du baroque entre espaces pleins et espaces vides, et l’artifice du trompe-l’œil au mur aveugle.

Du baroque, parlons-en. La magnificence de la basilique Saint-Pierre a époustouflé mes parents. Ma mère a subi un véritable choc esthétique. Et moi je ne peux m’empêcher à chaque fois que j’y entre d’y être ému pour des tas de raisons combinées. L’agencement de la basilique ne peut que provoquer l’admiration par ses dimensions et sa charge symbolique. Mais si l’esprit s’envole, l’œil, lui, suis les lignes directrices qui mènent vers le baldaquin puis du baldaquin à la chaire de Saint-Pierre. Le tout se trouve encore magnifié par l’ornementation et la lumière. Les ors des voûtes contrastent avec le bronze du baldaquin.

Et puis dans ses musées, Rome donne témoignage de l’artifice de la pierre par la sculpture. Bas ou haut-relief, ronde bosse… Portraits d’hommes, d’animaux et de dieux, les anciens ont voulu figer les manifestations vivantes de la vie pour l’éternité.

La pierre est un témoignage du génie humain, et Rome en donne une remarquable continuité par la superposition des styles architecturaux, des époques et des matériaux utilisés.

Les « promenades japonaises » d’Émile Guimet et Félix Regamey

 

Mishima, 11e station du Tōkaidō, par Hiroshige

Mishima, 11e station du Tōkaidō, par Hiroshige

En visitant l’exposition consacrée aux collections d’Émile Guimet au Musée des Beaux-Arts de Lyon en 2012, je n’avais pas pris toute la mesure de l’importance de l’industriel lyonnais pour l’orientalisme français, et plus important encore, pour la compréhension du Japon féodal de l’ère Edo.

Je reviens à lui par les voies détournées de l’Histoire et de l’ethnographie. Emile Guimet s’est rendu au Japon en 1876 avec le peintre Félix Regamey pour y étudier les religions de l’archipel, en particulier le Shinto et le Bouddha zen. Mais son étude dépasse largement le cadre spirituel et s’intéresse au Japon Meiji, en pleine mutation. Ce qui intéresse les voyageurs n’est pas le Japon qui s’industrialise à grands pas depuis l’ouverture du pays une dizaine d’années auparavant, mais aux permanences et aux traditions du Japon du Bakufu. L’intérêt des voyageurs se porte sur tout ce qui est à leur portée dans un pays qui leur paraît d’une beauté singulière. L’épure et la simplicité du mode de vie nippon conjugué à la beauté des paysages constituent un véritable « choc culturel ».

La visite des temples shinto de Nikko laisse Guimet en admiration devant le délicat mélange de l’architecture japonaise et d’une nature patiemment travaillées par l’homme. Sa description se conclut par ces mots :

« A travers cet entassement de merveilles, le visiteur éprouve une sorte de vertige, il y a un moment où l’on se demande quand va finir la série des étonnements, quand va finir la série des ascensions ; il semble que c’est au ciel que tout cela va aboutir et les pèlerins impressionnés peuvent de bonne foi se croire en route pour le paradis. »<1>

L’œil occidental est rapidement séduit par l’esthétique artistique et artisanale japonaise, mélange de simplicité et de sophistication. Le génie japonais relève sans doute de ce que les Grecs auraient appelés la metis, l’intelligence pratique. Toute action humaine semble liée au cadre qui l’entoure. La culture japonaise est l’harmonie de l’ensemble. L’épure du geste est comme la nature environnante chargée d’une signification. Le Japon est un pays d’artistes, celui du signe allié au mythos. Guimet écrit :

« Une chose à remarquer, c’est que les Japonais qui enregistrent avec grand soin les faits historiques n’oublient jamais de prendre note de l’aspect du décor où se passe l’action. Amoureux comme ils le sont des beautés de la nature,  ils ne peuvent séparer le fait du paysage ; de même qu’ils se souviennent des costumes que portaient les héros de leurs chroniques, ainsi que la décoration des appartements où les évenements ont eu lieu. Ce peuple artiste a mis son histoire en tableaux.

Il y a certaines vues de pruniers en fleurs, de brouillards sur les montagnes, de feuillages roussis par l’automne qui sont fatalement destinés à encadrer des faits historiques devenus populaires autant par la beauté de la mise en scène que par l’intérêt des situations. » <2>

Durant les neuf semaines de voyage entre Yokohama et Kyoto par le Tokaido (le chemin vers la capitale du Sud), Émile Guimet note scrupuleusement ses impressions et ses entretiens sur des carnets, tandis que Félix Regamey dessine leurs rencontres et croque les scènes de vie de la société japonaise des campagnes qui n’est pas encore trop gagnée à l’occidentalisation.

Regamey dessiné par Kawanabe Kyosai

 

Guimet en profite pour acheter de nombreux manuscrits religieux, mais aussi des porcelaines, des estampes, tissus et kakemono, masques du théâtre Nô, et des statues du panthéon Bouddhique mises au rebut par l’instauration d’un shintoïsme d’État voulue par le gouvernement.

Le retour des Français au pays est triomphal, et leur voyage contribue à renforcer le japonisme. Émile Guimet expose ses collections accumulées lors de ses voyages dans son musée à Lyon construit en 1878, et les transfère à Paris dix ans plus tard où elles connaissent un succès phénoménal.

Entre temps, les Promenades japonaises paraissent à Paris en 1880 chez Charpentier. Elles constituent un témoignage de première main pour comprendre la société la culture et les religions du Japon Edo. Si une réédition a été faite en 1962, il n’existe aucune  édition contemporaine de ces écrits, ce qui est fort dommage. Félix Regamey fait paraitre de son coté en 1905 Le Japon en images avec 244 illustrations tirées de ses dessins.

_______

<1> Emile Guimet, Promenades japonaises, Paris, Charpentier, 1880, p. 235-236.

<2> Ibid., p. 20.

Exposition « Jacqueline Delubac : le choix de la modernité »

Pour les Lyonnais familiers du musée des Beaux-Arts, il n’est pas besoin de souligner la richesse du legs Jacqueline Delubac, qui, faut-il le rappeler, naquit dans notre ville . Ceux ne l’étant pas (re)découvriront que sa donation fut d’une grande importance pour les collections du musée. Pour celles et ceux venant d’horizons plus lointains, ils découvriront ce petit trésor artistique par l’exposition qui lui est consacrée jusqu’au 16 février 2015.

Heureux celui qui perce les motivations secrètes du collectionneur ! Heureux celui qui réussit à trouver en un coup d’œil ce qui rend (ou peut rendre) cohérent une collection ! Dans le cas de la collection Jacqueline Delubac, on peut ainsi observer que derrière l’apparent éclectisme des œuvres, se cache une certaine continuité de la figure féminine, qu’elle soit sculptée par Rodin, peinte par Léger et Picasso et Manet…

Auguste Rodin - Iris, messagère des dieux (1890)

Auguste Rodin – Iris, messagère des dieux (1890)

La femme, figure aux multiples facettes : fatale chez Buffet et son modèle Jacqueline Delubac, ingénue et innocente comme la jeune fille nouant son chignon debout dans le Déjeuner sur l’herbe de Monet ou sage comme une ballerine de Degas attendant de passer son audition.

Comment ne pas être impressionné devant la collection – majeure et éclectique – qui échut au musée des Beaux-arts de Lyon en 1997 ? Les grands maîtres côtoient des noms moins connus, les impressionnistes se mêlent aux expressionnistes, les figuratifs aux abstraits…  Sa collection fut sans doute un temps d’avant garde, innovante et moderne, ce qui justifie le titre de l’exposition « le choix de la modernité ». Et le musée ajoute aux œuvres exposées venant de ses salles ou de celles de musées de France, une abondante quantité de photographies, de lettres, d’affiches illustrant la carrière d’actrice  et d’épouse de Sacha Guitry de notre héroïne. qu’on nous montre au gré des rôles tantôt femme-garçon, tantôt bourgeoise élégante… Jacqueline Delubac fut et incarne toujours un modèle d’élégance et de distinction à la française. Quelques robes viennent d’ailleurs souligner à la fin de l’exposition ses liens particuliers pour la haute couture. Sa collection démontre que ses talents ne se limitèrent pas au jeu de la comédienne. Sa fréquentation de la haute société parisienne des années 20 aux  années 50 mêlant artistes et écrivains bohème, sa fréquentation des galeristes de la Rive gauche et sa longue vie aux cotés d’un autre amateur d’art, son compagnon Miran Eknayan qui lui a légué sa collection, ont vraisemblablement beaucoup compté dans sa curiosité et ses acquisitions.

Ce diaporama nécessite JavaScript.

Mais l’un des aspects les plus intéressantes de la collection réside sans doute moins dans l’accumulation des pièces exposées au public que dans la façon de les montrer : c’est un essai de reconstitution – réussie – de leur place et de leur disposition dans l’appartement de Jacqueline Delubac, quai d’Orsay. Car une collection n’est pas qu’une accumulation d’objets d’art, elle manifeste le goût de son propriétaire, ses préférences stylistiques aussi. C’est un choix qui répond toujours à des motivations venant du cœur ou de la raison… En retour, le prestige d’une collection rejaillit sur son propriétaire qui gagne ainsi les galons d’un amateur éclairé, réputé et courtisé au goût sûr. L’accès à la collection devient ainsi un privilège qu’on accorde ou pas aux solliciteurs. D’où l’importance d’une scénographie réfléchie dans l’exposition des œuvres. Le dernier appartement de Madame Delubac fut ainsi en quelque sorte un lieu que beaucoup d’amateurs auraient aimé visiter.  La muséographie a donc le mérite de replacer de manière sommaire mais assez explicite la place des œuvres exposées quai d’Orsay : le corridor, la chambre à coucher…

Francis Bacon : Carcasse de viande et oiseau de proie (1980) Ruth Franken : Paire de sièges sculptures homme (1970)

Francis Bacon : Carcasse de viande et oiseau de proie (1980)
Ruth Franken : Paire de sièges sculptures homme (1970)

On passe ainsi de la salle à manger au salon vert en se faisant une idée de la mise en scène des toiles et des sculptures dans les pièces de l’appartement parisien. La femme assise sur la plage de Picasso figurait au-dessus du sofa, et Francis Bacon dominait la table de la salle à manger…

Pour revenir à des considérations moins intellectuelles, j’ai été agréablement surpris de l’excellent éclairage des peintures que l’on peut trouver habituellement dans les salle du musée. J’ai redécouvert les couleurs deux toiles de Francis Bacon, en particulier de son Étude pour corrida n° 2 et la belle polychromie de la Jeune fille au ruban bleu d’Auguste Renoir. On ne dira jamais assez combien un bon éclairage est indispensable à la juste appréciation d’un tableau ou d’une sculpture. Et puis il y a Le déjeuner sur l’herbe de Monet, qui appartint à Miran Eknayan, qui me subjugua : j’ai peu de goût pour l’impressionnisme, mais les dimensions du tableau la composition m’ont sidéré ; et quand on sait que la rivalité avec Manet se cache derrière l’exécution du tableau, on a de quoi être admiratif.

L’exposition consacrée à Jacqueline Delubac est d’importance. Elle mérite vraiment une visite par la richesse des œuvres montrées au public et retrace, pièces à l’appui, le parcours atypique d’une actrice qui devint une collectionneuse avisée et au soir d’une vie bien remplie, une généreuse donatrice du musée des Beaux-Arts de Lyon.

________

Des photographies de l’exposition sont disponibles sur mon compte Flickr, accessible par le menu de droite.

Une découverte archéologique majeure à Amphipolis ?

Pendant que la fureur médiatique nous démontre quotidiennement l’indigence de notre personnel politique, les archéologues, eux, fouillent chaque jour le sol pour découvrir, inventorier, interpréter et sauvegarder des témoignages du passé. Ce métier souvent ingrat se heurte au présentisme de notre société, qui semble ne plus rien comprendre que le désir et son assouvissement immédiat. On ne trouve pas tous les jours comme Indiana Jones (mon idole cinématographique) des artefacts ou autres trouvailles majeures ; comme le tombeau de Toutankhamon ou plus récemment le fantastique tumulus d’Amphipolis en Grèce. La ville fut fondée par Athènes au Ve siècle  avant J.-C. et est souvent mentionnée dans la Guerre du Péloponnèse de Thucydide en raison de son importance stratégique. Objet de convoitises pour l’hégémon en Grèce,  elle fut aussi une place commerciale importante et compta dans les échanges entre la Grèce, la Macédoine et la Thrace.

Les archéologues grecs ont entrepris des fouilles dans un tumulus à la sortie de la ville antique. En dégageant la colline artificielle, les archéologues ont découvert un escalier de marbre menant à un tombeau. Le luxe de la décoration et des matériaux utilisés laissent croire que l’on a découvert un monument hors du commun. Nicolas Constans en parle avec beaucoup de détails sur son blog. La dernière découverte concerne l’entrée d’une deuxième salle dont le seuil est gardé par deux cariatides.

Photo : Ministère de la culture de la République hellénique

Photo : Ministère de la culture de la République hellénique

Le tombeau est daté du dernier quart IVe siècle avant-Jésus-Christ, soit après la mort d’Alexandre le Grand à l’époque où les diadoques se taillaient des empires. D’après les médailles découvertes, la date retenue est 410 avant Jésus-Christ.

Les archéologues vont bientôt entrer dans la dernière salle du tombeau, cachée derrière un mur. On ne sait pas vraiment qui y était inhumé : Néarque, Olympias, Roxane et/ou son fils, Antipater…. ou personne (aurait-il été destiné à Alexandre ?). Quoiqu’il en soit il s’agirait d’un ou d’une dignitaire de l’entourage d’Alexandre. On ne peut parler qu’au conditionnel, mais rien qu’énumérer ces noms suscite en moi l’enthousiasme.  Quand on a lu comme moi Diodore de Sicile [1] ou Plutarque sur la vie d’Alexandre le Grand [2], la découverte du tombeau d’Amphipolis devient subitement le medium immédiat du lecteur que je suis avec ces personnages,  au-delà des siècles et des civilisations qui passent. Une concrétisation soudaine de l’Histoire. Ce sont les hommes et les femmes qui la font, mais ce sont les conquérants et les illustres qui ont droit à l’encre des écrivains.

Et ce qui est fantastique, c’est de savoir qu’il existe encore des trésors à découvrir, des endroits à fouiller. Les archéologues ont encore de quoi me faire rêver. On pourrait un jour découvrir à Alexandrie l’emplacement du tombeau du conquérant, dont les auteurs anciens nous disent qu’il était fait de pierre translucide.

——

[1] – Je fais référence au livre XVII de la Bibliothèque historique.

[2] Vies parallèles – Alexandre-César. On peut aussi lire Quinte-Curce, Historiarum Alexandri Magni Libri,  l’Histoire d’Alexandre le Grand.

Exposition « L’invention du passé Histoire de coeur et d’épée (1802-1850) » au Musée des Beaux-Arts de Lyon

Le musée des Beaux-arts de Lyon propose au public une des meilleurs expositions du moment sur L’invention du passé Histoire de coeur et d’épée (1802-1850). L’exposition est consacrée à la représentation d’épisodes historiques du Moyen-Age, de la Renaissance ou du Grand Siècle, anecdotiques, avérés, ou totalement imaginaires ; vus par les peintres du XIXe siècle.

Le musée des Beaux-Arts de Lyon s’est associé au monastère de Brou près de Bourg-en-Bresse pour proposer cette exposition en deux parties. Brou présente une exposition sur le thème du Gothique.

L’essentiel des 200 toiles présentées est l’œuvre de peintres français connus ou moins connus du grand public mais qui furent célèbres en leur temps : Dominique Ingres, Paul Delaroche, Fleury Richard, Pierre Révoil, Jean-Léon Gérôme…

Les artistes et toiles exposées sont caractéristiques de ce qu’on appelle le Style troubadour. Après 250 ans d’idéalisation de l’antiquité dans les arts, la première moitié du XIXe siècle correspond à une redécouverte de l’héritage médiéval tant artistique que religieux.

Le premier tableau « troubadour » ( exposé dans la première salle) fut ainsi une œuvre du peintre lyonnais Fleury-Richard, Valentine de Milan pleurant la mort de son époux, exposé au Salon de 1802 et présent dans l’exposition du Musée des Beaux-arts.

01_01_Richard-Fleury-Francois_Valentine-de-Milan_900

Le tableau connut beaucoup de succès et suscita des émules. Revoil, Fragonard, Ingres, s’essayèrent alors à dépeindre sur le modèle de Fleury-Richard des épisodes du passé médiéval européen.

Deux catégories sont ainsi représentées : les Puissants : dynasties royales et princières, et les artistes ou les Lettrés ( Vinci, Titien, Le Tasse…). L’histoire, comme « miroir des princes » constitue ainsi le vivier inépuisable semble-t-il, de l’inspiration des peintres du XIXe siècle. Elle est en cela fidèle chère à la hiérarchie des genres de peinture mise en place au XVIIe siècle, où la peinture historique, mettant en scène héros et épisodes antiques, scènes de batailles contemporaines constitue son sommet.  On ne trouvera cependant pas dans l’exposition de scènes de batailles ou d’épopée, mais des épisodes plus anecdotiques relevant souvent de la sphère intime des princes et princesses du Moyen Age et de la Renaissance : les histoires tragiques, amoureuses ou cocasses des rois et reines des Temps anciens : régicides en préparation, visites de monarques aux artistes, tournois et méditation sur la vanité du monde.

Il est ainsi fascinant pour l’historien que je suis de voir ici représenté avec deux ou trois siècles de distance certains épisodes historiques vus par des artistes. Il se manifeste chez de nombreux peintres, Delaroche ou du lyonnais Revoil par exemple, un souci du détail montrant une bonne connaissance des mœurs vestimentaires et des styles architecturaux médiévaux.  Il semble même que ces tableaux soit prétexte pour l’artiste à déployer toute l’étendue de son savoir et son pouvoir « réaliste » de reconstitution. A moins que  ce savoir-faire minutieux ne se mette au service du sujet et de la composition, s’inspirant souvent de la peinture hollandaise du Grand siècle.

J’ai ainsi été frappé par la puissance dramatique, politique et méditative de la toile de Paul Delaroche représentant Cromwell contemplant le corps de Charles Ier d’Angleterre dans son cercueil, ou bien encore Les Enfants d’Edouard IV, autre toile maintes fois recopiée décrivant les derniers instants des jeunes princes de la maison York, qu’un sort funeste attend.

DelarocheKingEdward

La peinture troubadour connut son heure de gloire dans la première moitié du XIXe siècle, mais elle essaima en Europe et fit souche. Comment ne pas penser à l’œuvre foisonnante du peintre polonais Jan Majetko sur le passé de son pays ? Elle influença aussi les illustrations des manuels scolaires d’histoire jusqu’aux années 60-70. Je pense à cet épisode maintes fois reproduit d’Henri IV jouant avec ses enfants.

La deuxième moitié du XIXe siècle vit le lent déclin de cette peinture historique, mais un déclin parsemé de quelques œuvres marquantes. Je pense à la toile de Gérôme exposée dans la dernière salle, La réception du Grand Condé à Versailles par  Louis XIV, 1674, datant  1878. Si l’épisode n’a jamais eu lieu tel qu’il fut imaginé par Gérôme, la toile symbolise plus que toute autre le triomphe de l’absolutisme louis quatorzien. Toute la composition fait converger le regard vers le Roi, au centre du tableau.

Réception_du_Grand_Condé_à_Versailles_(Jean-Léon_Gérôme,_1878)

L’invitation à se plonger  par la peinture par cette exposition est donc particulièrement intéressante, elle invite à reconsidérer le leg, la richesse et l’intérêt du « style historique » au XIXe siècle. Beaucoup d’historiens de l’art tendent à mépriser, en tout cas à amoindrir par rapport aux siècles précédents où à d’autres styles de peinture, romantique notamment, de l’époque. Elle donne pourtant à réfléchir sur la réception et l’appropriation de l’Histoire par la société en général, et l’Art en particulier.

 L’exposition sera ouverte au public jusqu’au 21 juillet 2014.